¡Estamos de vuelta en el blog con una nueva entrevista! Hoy os presento a uno de los grandes flautistas de las orquestas americanas. Probablemente uno de los que más ha viajado en su carrera orquestal. Ha pasado por Finlandia y Barcelona, para saltar a Nueva York y finalmente a Los Ángeles.

¿Todavía no sabéis de quién os hablo? ¡Lo dudo! Pero si todavía no lo conocéis, no os preocupéis que os lo digo. Se trata de Denis Bouriakov, flauta solista de Los Ángeles Philharmonic y solista internacional.

Si queréis aprender cosas interesantes y útiles para vuestra vida como flautistas, músicos o personas, ¡por favor leed hasta el final esta entrevista! ¡Espero que os guste! 😊

Nunca comprometas algo musicalmente para hacerlo más perfecto técnicamente… …Sí, me refiero a esas personas que se entrenan para tocar “l’après-midi” de una vez.

Denis Bouriakov
  • ¿Cómo empezaste en la música?

Mi padre desarrolló un amor por la música clásica en su edad adulta, pero tuvo dificultades para entenderla. Pensó que sería bueno para mi hermano y para mí tocar uno o dos instrumentos, para aprender a apreciarla y entenderla. Poco a poco, todos nos entusiasmamos mucho por hacer música juntos, con mi padre alimentándolo con sus locas ideas, como aprender una nueva pieza corta todos los días en el piano cada uno y practicar cada instrumento todos los días.

Luego, antes de que nos diéramos cuenta, nuestro apartamento estaba lleno de música: entre mi hermano y yo, tocábamos el piano, acordeón, flauta, saxofón, violín, sintetizador ¡e incluso la batería de verdad! El profesor de saxofón de mi hermano tenía 2 hijos, que tocaban la batería y el bajo. Juntos formamos una banda de rock de niños con un cantante principal invitado. Lo pasamos de maravilla actuando durante un año aproximadamente; ¡incluso hicimos una gira a la capital de Ucrania, Kiev, para un concierto! Esto nos ayudó a desarrollar un amor genuino por hacer música. Al principio es mucho más divertido hacer ese tipo de cosas que practicar estudios de Czerny en el piano …

  • ¡Antes de trabajar en Estados Unidos, estuviste en Finlandia y también en Barcelona! ¿Cómo fue tu experiencia allí?

¡Pasé una época fabulosa durante mi primer trabajo en Tampere, Finlandia! ¡Todavía recuerdo el alivio que sentí y la alegría de ser independiente y tener un trabajo a tiempo completo! Me sentí muy feliz de poder quedarme en Europa y poder tocar mis conciertos de música de cámara y solista y tener un trabajo estable en la orquesta. Mis colegas fueron absolutamente maravillosos; tuve un montón de muy buenos amigos de la orquesta. Los fríos inviernos con falta de luz no eran algo demasiado deprimente para mí a los 23 años. Disfruté de toda la cultura con las saunas,  las fiestas, etc. El horario era muy ligero, con solo un concierto por semana los viernes. Además de eso, tuve muchas semanas libres, lo cual fue muy conveniente, porque podía prepararme para concursos internacionales y tocar algunos conciertos en solitario sin problemas de agenda. Pero luego, un par de años después, comencé a pensar en hacer audiciones para otros puestos y ver hasta dónde podía llegar y a dónde me llevaría la vida. Durante mis dos primeros años en el trabajo, me concentré principalmente en concursos y no en audiciones para otros trabajos. Pero luego las prioridades cambiaron gradualmente a medida que crecí.

Pensando en ello cada vez más, como mi propósito de Año Nuevo de 2008, decidí hacer audiciones para todos los trabajos que me interesaran en 2008. Barcelona fue a finales de enero, ¡y tuve suerte! Así que comencé allí en otoño. ¡Fue una gran mejora en muchos sentidos! ¡Creo que estar solo en esa increíble ciudad merece la pena mucho! La arquitectura, la comida, el clima … Es simplemente increíble, y todavía quiero volver de vacaciones allí. Sin embargo, el trabajo fue un poco más complicado. En aquél momento, la relación entre los músicos y la gerencia no era la más feliz. Espero que las cosas hayan mejorado ahora. Empecé a trabajar allí a mediados de octubre de 2008, y la audición del Met fue en la primera semana de diciembre. Mi, entonces prometida, y ahora esposa Erin, me convenció para que hiciera la audición. Ella pensó que mi estilo de tocar y mi tono funcionarían bien en los Estados Unidos. Creo que fue una de las mejores decisiones de mi vida hacer esa audición, lo que no habría hecho sin su apoyo.

Fue detrás de una cortina en todo momento, desde la primera ronda hasta la última, lo cual fue muy inusual para mí. Pero también me hizo sentir de alguna manera liberado, ya que podía sentirme un poco más relajado sin contacto visual. Pero luego siempre te preguntas qué está pasando del otro lado, quiénes son todas esas personas que susurran y tosen. Cuando supe que conseguí el trabajo, fue uno de los momentos más felices, que sin exagerar, me cambió la vida. Así que, después de 6 semanas en el puesto de Barcelona, ​​sabía que no me quedaría allí. No me permitieron tomarme un año libre para ir a Nueva York, por supuesto, ya que ni siquiera toqué allí el tiempo suficiente para terminar mi periodo de prueba. Así que ir a EE. UU. fue un “completo” para nosotros. Si el Met no funcionaba, no tendría otro trabajo al que regresar. Pero por supuesto, valió la pena el riesgo. Como dicen en Rusia: “¡Quienes no se arriesgan, no consiguen beber champán!”

  • Después de estar en Europa, ganó el puesto de flauta principal en el Metropolitan Opera y luego en 2015 en Los Ángeles, donde trabaja ahora. ¿Cómo se unió a la Filarmónica de Los Ángeles?

Me uní a LA Phil de la misma manera que lo hacen la mayoría de los intérpretes: a través de una audición, en mayo de 2015. Tuve que comenzar en la ronda semifinal con cortina. En LA Phil son muy estrictos con esto: quieren que todos los intérpretes pasen al menos una ronda a ciegas, lo cual creo que es justo. Tocar en el Met fue realmente maravilloso, y creo que tocar en una orquesta de ópera es la mejor formación orquestal posible que se puede obtener. Aprendes a escuchar verdaderamente a los demás, especialmente cuando no puedes ver a alguien con quien estás tocando, hasta en el escenario. Pero el trabajo del Met es muy duro… Es una organización enorme, que hace que sucedan 7 representaciones a la semana, de 4 óperas escenificadas diferentes. Tienen 2 solistas en cada sección de viento, pero todavía es mucho más trabajo que cualquier orquesta sinfónica de los Estados Unidos. Recuerdo sentirme exhausto hacia el final de la temporada todos los años. Las temporadas no tienen descanso; no hay vacaciones de Navidad ni nada.

Así que, después de unos años, naturalmente me interesé por el trabajo de LA Phil cuando se ofertó. Las condiciones son de las mejores del mundo, ¡y puedes tocar en el hermoso Disney Hall! Es impresionante, tanto por fuera como por dentro, y siempre es una sorpresa agradable para quien lo ve por primera vez. Trabajar con Gustavo Dudamel también es especial para mí. Es absolutamente increíble y fue uno de los factores más importantes para mí en mi decisión de mudarme a Los Ángeles. 

  • ¿Existen diferencias entre Europa y América en el mundo orquestal?

Bueno, es un poco difícil generalizar, ya que cada orquesta es única a su manera, tanto en Europa como en Estados Unidos. Pero hay ciertas cosas que son diferentes en general, creo. En resumen, la interpretación orquestal de Estados Unidos se trata más de fundirse y ser perfecto, y luego ser solista cuando tienes que serlo. La interpretación europea se trata más de ser un solista que también puede mezclarse y tocar en la orquesta. Es una prioridad diferente al tocar. Creo que comienza con la formación en la escuela. En Europa se trata más de estudiar el repertorio solista y luego asistir a la orquesta de la escuela a veces. En los conservatorios de Estados Unidos, en general, la orquesta es la prioridad, y se estudian simulacros de audiciones y extractos orquestales desde una edad temprana. Todo te está preparando para una audición orquestal al final. Lo cual, por supuesto, es muy práctico si quieres conseguir un trabajo.

Intento coger cosas buenas de ambos enfoques en mi enseñanza. Personalmente, no soy un fanático de tocar cuando se trata de mezclarse. Creo que algunas orquestas estadounidenses van demasiado lejos con este enfoque y comienzan a perder su identidad y personalidad, y suenan más o menos igual. No me refiero a las mejores orquestas estadounidenses, por supuesto, sino a las de segundo nivel e inferiores. Creo que lo que hace que una gran orquesta sea realmente genial es la combinación de esas personalidades únicas de los músicos y su talento musical.

Cuando escuchas la Berlin Phil, escuchas a un grupo de los mejores solistas del mundo haciendo música juntos como grupo. No siempre tienen necesariamente las mismas ideas sobre el fraseo, e incluso el estilo a veces, pero eso es lo que lo hace tan interesante y maravilloso de escuchar. Así que creo que uno tiene que ser capaz de fundirse bien como miembro de la sección, y también liderar y ser el gran solista y aportar algo personal, cuando sea el momento adecuado en la pieza. Soy muy afortunado de ser parte de una increíble sección de instrumentos de viento madera en Los Ángeles. Solo tenemos un lugar más para rellenar ahora: el oboe principal. Es una posición muy especial para mí, naturalmente, y espero que encontremos a la persona adecuada una vez que las cosas vuelvan a la normalidad.


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  • Ganaste premios en los concursos de Munich ARD, Jean-Pierre Rampal, Primavera de Praga, Carl Nielsen y Kobe, entre otros. ¿Cuál es tu secreto para ganar esos premios?

Jaja, bueno, ¡no hay un gran secreto! Creo que lo principal es seguir intentándolo. Muchos estudiantes piensan que no son lo suficientemente buenos para participar en un gran concurso. O que es demasiado trabajo y no pueden manejarlo. O demasiado estresante, o no tienen ninguna conexión con ningún miembro del jurado, etc. Muchas razones diferentes. Y están esperando el momento adecuado para probar en un gran concurso algún día. La verdad es que casi nunca es el momento adecuado para nada, ya sea un concurso o una audición orquestal. ¡Así que lo principal para nosotros es probar todo lo que podamos!

Escuché muchas historias en Rusia que decían que todas las competiciones internacionales están manipuladas y que nunca puedes tener éxito a menos que tengas una fuerte conexión con algunos miembros del jurado. Si bien puede ayudar a algunas personas, debo decir que no conocía a nadie de los jurados cuando comencé a competir. Y no importó demasiado. Creo que, en general, la mayoría de los miembros del jurado tienen integridad como músicos y votan con honestidad, y entre 12 jueces es lo suficientemente objetivo. Por supuesto, siempre hay algunos “políticos”, que votarán de manera calculada para crear una ventaja para sus estudiantes. Pero un voto es un voto. Como resultado, puedes obtener un premio menor como mucho, pero eso no es un gran problema al final. Así que mi consejo es seguir intentándolo; nada mejor que eso.

  • ¿Qué crees que te convierte en un flautista especial?

Bueno, todos somos especiales a nuestra manera. Creo que lo que te hace especial es tener personalidad y la capacidad de mostrarla haciendo música. Es la capacidad de contar la historia, no solo tocar las notas. Si tienes éxito en eso, la gente querrá volver a tus conciertos y volver a escucharte. Cuando hay algo real, todos lo reconocen incluso sin formación musical. Creo que todos tenemos cosas que escuchamos y sentimos, y que no podemos explicar o describir con palabras.

  • ¿Qué te ha hecho llegar a donde estás?

Tuve mucha suerte en mi vida de estar rodeado de personas increíbles que me apoyaron desde que era pequeño. Mi padre fue más que un apoyo; dejó muchas cosas y trabajos por mi flauta, y fue muy valiente para tomar medidas drásticas. Como mudarse 1.200 km al norte desde nuestra ciudad natal en Crimea hasta Moscú, para estudiar flauta su hijo de 9 años. No todos los padres pueden hacer eso por sus hijos. Tuvimos que estar separados de mi madre y mi hermano durante 2 años; se quedaron en Crimea y se mudaron a Moscú un par de años después. Mi padre fue un “padre tigre”; se sentaba en cada clase y tomaba notas. Luego me recordaba esas cosas cuando practicaba.

También tuve la suerte de conocer a los profesores adecuados en el momento adecuado de mi vida. Solo se necesitaron dos profesores: Yuri Dolzhikov en Moscú y William Bennett en Londres. Ambos me dieron exactamente lo que necesitaba en cada momento. Dolzhikov me ayudó a construir una base técnica sólida para el resto de mi vida, y Wibb fue todo lo que podrías desear en un maestro: un músico increíble e inteligente, que también me dio una comprensión más profunda de algunos aspectos técnicos de la interpretación. Por supuesto, tuve que trabajar duro y traté de no perder oportunidades cuando surgían. La suerte también es algo importante en la vida y no debe subestimarse. Pero uno solo puede ganar la lotería si compra un boleto, por lo que sólo puedes tener suerte si sigues intentándolo. En cierto modo, tienes que atraer tu suerte, no esperar a que te suceda algo bueno de la nada.

  • ¿Qué puedes recomendar a los flautistas profesionales que quieran ganar una audición o un concurso?

Bueno, empezaré con las audiciones orquestales. Cuando haces una audición para un puesto orquestal, solo un par de personas de las que te juzgan serán flautistas. Es muy importante darse cuenta de esto. Los otros jueces tocan instrumentos diferentes y no se sentirán impresionados por las cosas flautísticas “difíciles” puramente instrumentales. Quedarán más impresionados por tu musicalidad y personalidad, no por lo rápido que puede mover los dedos y el doble picado, o tu capacidad para hacer respiración circular o tocar fuerte en el registro bajo. He estado en jurados de audiciones de diferentes instrumentos, y siempre es el músico que tiene más que decir musicalmente quien consigue el trabajo, no el que no cometió ningún error. Por lo tanto, si bien es importante practicar los pasajes de “Sinfonía clásica”, asegúrate de dedicar mucho tiempo a comprender el carácter de cada pieza y tocar la pieza completa junto con las grabaciones, no solo estudiar tus solos. Siempre puedes escuchar si la persona que toca solamente practicó sus solos o si conoce la pieza y el contexto. Averigua con quién estás tocando, piensa qué tipo de colores son apropiados para esta pieza y época, etc. Nunca comprometas algo musicalmente para hacerlo más perfecto técnicamente. Por ejemplo, si quieres tocar algo en una sola respiración, pero te hace sonar menos expresivo y menos interesante, ¡ese no es un sacrificio digno, nunca! Sí, me refiero a esas personas que se entrenan para tocar “l’après-midi” de una vez. Yo era uno de ellos, ya que sobre todo en Europa muchos profesores insisten en que hay que tocarlo de una vez. Lo practiqué de esa manera, pero nunca pude hacer que sonara tan bien en una respiración como tomando una respiración en el medio o hacia el final. Una vez lo toqué para Andreas Blau y le pregunté qué pensaba de esto. Lo pensó por unos momentos, y luego respondió: “Bueno, hicimos una audición para flauta principal en Berlín Phil hace algunos años. Vinieron muchos grandes flautistas, y muchos de ellos lo tocaron en una sola respiración. Pero entonces, una persona lo tocó, respiró dos veces, ¡y consiguió el trabajo! Ese fue Emmanuel Pahud”.

Otra cosa, que suena muy obvia, es que debes dedicar suficientes horas de práctica a tu preparación. Me llevó muchas audiciones como estudiante darme cuenta de CUÁNTA preparación se necesita para rendir al máximo tocando. Lo difícil de las audiciones es que tienes que destacar entre la multitud en solo unos minutos tocando extractos solo. A menudo escuchan solo de 5 a 10 minutos en la primera ronda. Así que cada pequeña cosa que haces importa, porque no tienes un recital completo para demostrar lo que vales como músico. Cuando intenté mi primera audición como estudiante, practiqué durante una semana más o menos, hasta que me sentí listo. En ese momento, estaba aprendiendo mucho repertorio de solo, y esto lo sentí mucho más fácil, ¡solo un montón de extractos cortos! Luego fui a la audición, y durante mi actuación salieron todo tipo de cosas que no esperaba. Recuerdo que una vez me quedé completamente desconcertado al ver a mucha gente en la sala durante mi audición para una orquesta alemana. Quitaron la cortina para la segunda ronda y vi a la mitad de la orquesta sentada allí. ¡De repente estaba muy nervioso! Recuerdo tocar el solo de Carmen y escuchar los latidos de mi corazón en mis oídos, ¡como un tambor (muy fuerte)! No pude concentrarme ni hacer nada…¡perdí completamente el control! Siempre me preparaba para concursos internacionales durante un par de meses más o menos, con muchas horas de práctica, pero me resultaba extraño hacer eso para un montón de pequeños solos orquestales. Pero luego, cuando hice la audición para Barcelona, ​​finalmente lo probé: practiqué 4 horas al día durante un mes, puliendo cada pequeño detalle, incluso cuando ya sentía desde hacía tiempo que estaba listo para tocar. Algo muy diferente sucedió cuando toqué mi audición allí. Todavía estaba nervioso, por supuesto, ¡pero finalmente me sentí con control! Era el tipo de nerviosismo que suelo sentir en los conciertos, el que te hace tocar mejor y sentirte emocionado. Así que desde entonces practiqué mucho más para todas las audiciones, y me permitió mantener las cosas bajo control bajo el estrés extremo que uno pasa al hacer una audición.

Para un concurso: es similar en muchos aspectos. También tienes que hacer todo lo anterior. Si bien todos los jueces son flautistas en este caso, todos tienen opiniones diferentes sobre muchas cosas: sonoridad, estilo, etc. Así que una de las cosas más importantes aquí es ser convincente en tu interpretación. Piensa en ello como un oyente y/o un juez: incluso si escuchas a alguien tocar completamente diferente a la forma en que lo harías, si lo hace sonar convincente, aún lo disfrutarías y lo apreciarías. Así que no tengas miedo de ser tú mismo y no trates de adivinar lo que les gusta a los miembros del jurado, sino trata de convencerlos con tu interpretación, diles cómo debe ir. Si no eres sincero en tu forma de hacer música, ellos también lo sentirán. Cuando tocas, proyectas todo lo que sientes en ese momento hacia el oyente, lo quieras o no. Así que, si no te sientes convencido, nunca convencerás al oyente. Si no te sientes conmovido, el oyente tampoco se sentirá conmovido…

  • Tocas con una flauta de plata. ¿Qué opinas de las flautas de oro?

Creo que es una cuestión de preferencia personal, y una no es mejor ni peor que otra, solo diferente. He probado flautas de oro varias veces e incluso consideré cambiarme. Pero encontré mi verdadera voz en la plata, y parece funcionar mejor para mí. Lo que me gusta de la plata es lo fácil que es cambiar de color. No puedo obtener la misma gama de colores en instrumentos de oro. Me resulta especialmente difícil producir un color muy hueco en el oro, lo cual es muy fácil en la plata. Pero el oro tiene una redondez y un brillo interesantes en el sonido, lo cual me gusta. Esa fue la razón por la que consideré cambiarme. Además, creo que es un poco más fácil sonar bien cuando no estás en tus mejores condiciones. La plata es más sensible a que estés en forma. Así que, aunque la plata requiere un poco más de esfuerzo, para mí vale la pena por la gama de colores más amplia que puedo obtener.

  • ¿Cómo ves el panorama musical actual?

Este es un momento difícil para la música clásica, sin duda. Ya frágil financieramente como industria, ser golpeados por esta pandemia es muy difícil para muchos músicos en todo el mundo. Sin embargo, soy optimista sobre el futuro. Estoy seguro de que cuando todo esto termine y la vida vuelva a la normalidad, la gente querrá ir a conciertos más que nunca, “hambrientos” después de un año de no asistir a conciertos. Creo que se pueden encontrar paralelismos con el final de las guerras. Cada vez que una guerra llega a su fin, la gente se siente muy feliz de volver a la normalidad y aprecia mucho más todo, incluidas las artes. Así que creo que pronto veremos un aumento, no una disminución, en el número de personas que asisten a conciertos y tocan instrumentos.

  • Y finalmente, algún consejo para nuestros lectores.

Siempre me hace gracia dar un “consejo”, ya que no me gusta demasiado el concepto de “Maestros” y “Gurús” en general. Muchos “Maestros” comienzan a tomarse demasiado en serio a sí mismos bajo mi experiencia y, a veces, me ponen enfermo con su sentimiento de propia importancia. No quiero llegar nunca a ese punto personalmente. Pero me gusta compartir cosas que me resultaron útiles antes. Éstas serían:

No te sientas demasiado molesto cuando falles en algo, ya sea una audición, un concurso o cualquier otra cosa, ¡ya que es una parte inevitable de ser músico! Ningún intérprete en la historia ganó todo, así que no te castigues. Y aquí llegamos a la siguiente parte:

¡Sigue intentándolo! No te desanimes por no ganar. Como me dijo Wibb una vez, después de una audición particularmente frustrante: “Está bien estar molesto durante un día, ¡pero olvídalo y sigue adelante mañana!”


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